Kenichi Yokono widmet sich den Themen der zeitgenössischen japanischen Manga-Kultur und nutzt dazu traditionelle Holzschnitt-Techniken. Manga, Anime, Horror-Filme und andere Stereotypen der japanischen Pop-Kultur fließen in Kenichi Yokonos Arbeiten ein. Als Ikonen der (mehr oder weniger) subtil ausgedrückten Grausamkeit und Bedrohlichkeit, stellen seine Arbeiten win Kontrastprogramm zu den zuckersüßen, rehäugigen Figuren der populären Manga- und Anime-Figuren dar.

laughing bears, © Kenichi Yokono, courtesy Micheko Galerie, limited Edition woodblock print

Obwohl Yokonos Arbeiten voll funktionsfähige Holzschnitte sind, von denen er auch Drucke anfertigen könnte, stellt er sie größtenteils als eigenständiges Werk aus. Auf diese Weise behält das Werk seine Exklusivität als handgefertigtes Unikat, durch das der Künstler eine spürbare Präsenz bewahrt. Yokonos Arbeiten werden so zu Zeugnissen einer augenzwinkernden Kritik an einer rasant alternden japanischen Gesellschaft, die von Hello Kitty und Konsorten geradezu besessen ist.

Für seine Einzel-Ausstellung bei Micheko zeigt Yokono zum ersten Mal auch Drucke, die er als limitierte Edition aufgelegt hat.

Geboren 1972 in Kanazawa, Japan, studierte Kenichi Yokono Kunst am Kanazawa College of Art. Er hatte Einzel-Ausstellungen in Tokio, Los Angeles, Wien und Amsterdam, sowie Arbeiten in zahlreichen Gruppen-Ausstellungen. 2005 gewann Yokono den Asian Cultural Council Fellowship award, and the Tom Eccles Prize (New York). Der Künstler lebt und arbeitet in Tokio, Japan.

Heute freuen wir uns, Ihnen unsere Ausstellungen für 2012 vorstellen zu können. Wir würden uns freuen, Sie bei der einen oder anderen Ausstellungs-Eröffnung begrüßen zu dürfen.

• Noch bis zum 4. Februar 2012: KATSUMI HAYAKAWA mit seinen umwerfenden skulpturellen Landschaften aus Papier - “PAPER WORKS: NEW HORIZONS”
• 08. Februar bis 07. April 2012: KENICHI YOKONO, Holzschnitte und Prints, ganz in der Tradition des japanischen “Horror Pop”: “JAPAN WONDERLAND EXPLOSION”
• 14. März bis 18. März 2012: AKIKO KURIHARA & MARI IWAMOTO: neuer Autorenschmuck, präsentiert unter dem (noch) mysteriösen Titel “151″
• 13. April bis 16. Juni 2012: TOSHIO ENOMOTO, S/W-Fotografien aus seinem Buch “KAGIROHI” von 2008, sowie neue Arbeiten
• 22. Juni bis 22.September 2012: TOMOHIDE IKEYA, neue Fotografien, neue Serien: “BREATH, WAVE, MOON”
• 28. September bis 24. November 2012: RISA FUKUI, Papierschnitte: “KIRI GA”
• 30. November bis 02. März 2013: HIROSHI WATANABE, S/W-Fotografien, reine Poesie, die den Betrachter auf Zeitreisen schickt: “TIME TRAVELS – 時間旅行”

Blue Lines, 2011

Hayakawas Arbeiten können interpretiert werden als urbane Landschaften oder auch als die integrierten Schaltkreise von Mikrochips. Es sind die beiden Enden desselben mensch-gemachten Universums, die sich dem Betrachter erschließen. Der Kontrast zwischen dem Realen und dem Virtuellen, der simulierten Wirklichkeit.

Es steckt viel vom buddhistischen Konzept, dass alles im Universum miteinander verbunden ist, in den Arbeiten von Katsumi Hayakawa. Aber man muss kein Buddhist sein, um diese Werke verstehen und schätzen zu können. Sie erschliessen sich durch ihre universelle Mitteilungkraft.

Hayakawa wurde bekannt durch seine geometrischen Malereien, die er “virtuelle Abstraktionen” nannte. Aber er war unzufrieden mit dem Medium, welches ihm nicht ausreichte, seine Konzepte künstlerisch umzusetzen. Deshalb widmete er sich der  Skulptur als Medium für seine jüngeren Arbeiten. Er verwendet Papier-Kuben oder Würfel, die er auf Aquarellpapier anbringt. Diese Arbeiten scheinen zufällig arrangiert und doch erinnern sie uns, wie schon erwähnt, an Landschaften, Schaltkreise oder Labyrinthe und lassen den Betrachter trotzdem im Zweifel, ob er das, was er sieht, auch das repräsentiert, was er zu denken glaubt. Hayakawa schafft es damit, uns auch auf die Informationsflut hinzuweisen, die uns schon lange überrollt hat.

Buchcover von "Wo das Herz ist" des Fotografen Enno Kapitza

Micheko freut sich, Ort von Enno Kapitzas Buch-Präsentation am Donnerstag, 17. November 2011 zu sein. Wir beginnen um 19 Uhr. Die Veranstaltung wird bis ca. 21:30 Uhr dauern.

150 Jahre, nachdem Japan und Deutschland offiziell diplomatische Beziehungen aufnahmen, zeigt der deutsch-japanische Fotograf Enno Kapitza deren inoffizielle Seite. Denn die tiefe, emotionale Ebene, die wahre Beziehungen ausmacht, entsteht aus Gefühlen, Eigenheiten und Gemeinsamkeiten. Es sind große wie kleine Momente, die man nicht mit einer Jahreszahl beziffern kann. Man muss sie sehen, fühlen, erleben. Enno Kapitza hat sie in seinem ersten Buch, erschienen im Iudicium Verlag, erlebbar gemacht.

Es spielen SASEBO (jap.Ethno-Blues) und es liest Sebastian Glubrecht, der Autor des Vorworts.

Freitag, 21.10.11 von 15 bis 22 Uhr

Samstag, 22.10.11 von 11 bis 18 Uhr

Sonntag, 23.10.11 von 14 bis 18 Uhr

Wir zeigen weiterhin die Ausstellung “My Affection for Idols” von Natsuki Ohtake.

Parallel zur derzeitigen Ausstellung “My Affection for Idols” von Natsuki Ohtake, zeigen wir vom Mittwoch, den 12. Oktober bis Sonntag, den 16. Oktober um 02:00 Uhr nachts die “Fusion Art”-Installation “TOKYO DREAMS” von Kenji Mikami, Chikashi Kasai und VOQ.

Raumkunst trifft Fotografie, trifft Musik. Der junge Installationskünstler Kenji Mikami hat Fotografien von Chikashi Kasai in seine Arbeit vollständig verschmolzen. Untermalt wird “TOKYO DREAMS” von Beats des japanischen DJs und Musikkünstlers VOQ. Eigens für diesen Anlass mischte er Tokioter Stadtgeräusche mit traditionellen und modernen japanischen Klängen. Der Betrachter taucht ein in eine schwüle, verrauchte Sommernacht in Tokio und erlebt durch den Kunst-Mix eine neue, unerwartete Welt, die er sich vielleicht nicht so vorgestellt hat. Manga meets Sex, meets Music, meets Lust for Life.

"Tokyo Dreams", fusion art installation by Kenji Mikami, Chikashi Kasai and VOQ

Schade, dass alles nach nur vier Tagen und einer Nacht wieder abgebaut wird.

Zu sehen und zu erfahren bei Micheko Galerie vom 12.10. bis 15.10.2011 zu den üblichen Öffnungszeiten und während der 13. Münchner Langen Nacht der Museen (Tickets auch bei Micheko erhältlich).

Micheko ist dieses Jahr zum ersten Mal dabei. Dafür haben wir extra für den Anlass eine Installation von Kenji Mikami in Kooperation mit dem Fotografen Chikashi Kasai und dem DJ VOQ erstellen lassen. Für wenige Tage gibt es junge Kunst aus Japan zum sehen, fühlen und hören.

Hinter dem roten Samtvorhang wartet unsere exklusive Installation auf die Besucher von Micheko am 15.10.2011

Micheko ist Station in der Tour Schwabing. Japanisches Bier wird es geben und grünen Tee.

Tickets für die Lange Nacht der Museen gibt es bei den üblichen Vorverkaufsstellen und auch bei Micheko direkt.

Während aber um 14 Uhr, unserer üblichen Öffnungszeit, nur sehr selten Besucher kamen.

Wir passen deshalb ab dem kommenden Samstag, den 01. Oktober 2011 unsere Öffnungszeiten an:

An Montagen bleiben wir weiterhin geschlossen.

Von Dienstag bis Freitag sind wir von 15 bis 20 Uhr geöffnet.

Am Samstag haben wir weiterhin von 11 bis 16 Uhr für Sie geöffnet.

Private Besichtigungstermine machen wir auch weiterhin gerne mit Ihnen aus. Auch an Sonntagen!

“My Affection for Idols” mit neuen Arbeiten der japanischen Textilkünstlerin Natsuki Ohtake ist vom 23. September bis 19. November 2011 zu sehen. 

Zur Eröffnung, am Donnerstag, den 22. September 2011, von 19 bis ca. 21 Uhr, laden wir Sie gerne ein. Das ist auch eine gute Gelegenheit, die Künstlerin persönlich kennenzulernen. Sie kommt natürlich zu ihrer ersten Ausstellung in Europa persönlich vorbei.

Nähere Informationen zu Ohtakes Arbeit finden Sie hier.

Jetzt packen wir die Bilder ein, streichen die Wände frisch und dann geht es ans hängen der Arbeiten von Natsuki Ohtake. Die Einladungen zur Eröffnung am 22. September von 19 bis 22 Uhr sind schon alle raus.

Micheko Galerie bleibt also ab heute bis zum 22. September geschlossen!

Die Öffnungszeiten sind:

Freitag, 09. September, von 14 bis 21 Uhr

Samstag und Sonntag, 10./11. September, von 11 bis 18 Uhr

Shibuya #09

Zur Ausstellung gibt es einen signierten, auf 500 Exemplare limitierten Bildband.

Shibuya #09

Metro #11

Pylons #07

Nobuyoshi Araki hat am Anfang seiner Karriere Abzüge seiner Fotos auf der Straße verkauft und seine ersten Fotobücher im Selbstverlag herausgebracht. Rinko Kawauchi, eine der derzeit populärsten japanischen Fotokünstlerinnen, wurde 2001 über Nacht berühmt, als sie gleich drei Bildbände gleichzeitig veröffentlichte.

Bildbände japanischer Fotografen, insbesondere aus den 60er und 70er Jahren, kosten heute mehrere Tausend Euro.

Toshio Enomoto, Jahrgang 1947, hatte sein Deutschlanddebüt bei unserer SAKURA-Ausstellung im vergangenen März. Seine schwarz-weiß-Fotografien sind in den Sammlungen verschiedener Museen und viele seiner Editionen sind schon vergriffen oder kurz davor.

Wir haben von seinem Buch “Kagirohi” (2008) noch einige Exemplare übrig. Das Buch zeigt einen Querschnitt seiner Arbeiten aus den 70er, 80er und 90iger Jahren, von denen wir einige Fotografien im Depot haben. Für 70 Euro ist das Buch bei uns noch zu haben. Einige Antiquariate handeln es schon wesentlich höher.

Sichern Sie sich Ihr Exemplar und bestellen Sie unter der 089-38 16 93 88 oder unter contact AT micheko.com.

Besuchen Sie auch Toshio Enomotos website, um mehr über seine Arbeiten zu erfahren.

KAGIROHI (2008)

Shirai selbst sieht ihre Arbeiten als Versuche, die physischen und psychologischen Veränderungen und Assimilationsprozesse von Migranten fotografisch umzusetzen. Ursprünglich als Dokumentation ihrer eigenen Erfahrungen als Japanerin in New York begonnen, wandelten sich ihre Bilder schnell in symbolbeladene, teils surreal anmutende Arbeiten, welche stellvertretend für all diejenigen sprechen wollten, die sich im Ausland zu integrieren versuchen.

Auch ihre fast an Makroaufnahmen erinnernden Bilder von Puppenhäusern, die, oft zerlegt und falsch zusammengefügt, von der Inkompatibilität der eigenen Gewohnheiten und der daheim gelernten Massstäbe mit dem neuen Zuhause erzählen fügen sich in dieses Thema, das Satomi Shirai so beschäftigt, nahtlos ein.

Shirai erwähnt in ihren statements aber nie die inhärente Erotik, die dem Betrachter subtil und unschuldig in ihren Fotografien begegnet. Es ist aber gerade diese Erotik, die einen anzieht. Über diese entwickelt sich die Neugierde auf mehr, auf die zahlreichen Allusionen und Reminiszenzen, die Shirai in ihren Bildern eingebaut hat. Dort überrascht einen zum Beispiel der Luftbefeuchter, der an die “manholes”, den dampfenden Kanalisationsdeckeln in den New Yorker Straßen erinnern soll. Oder die griechische Zeitung, die über den Klappstuhl in der Küche hängt und das Buch über Oscar Wilde im Stapel auf der Ablage. Dadurch stellt sich eine subtile Verbindung her zur Homosexualität des großen britischen Schriftstellers.

Egal, welches Bilddetail dem Betrachter von Shirais Arbeiten als erstes auffällt, es ist stets nur der Anfang einer längeren Auseinandersetzung mit dem jeweiligen Bild. Den einen ärgert es, den anderen zieht es magisch hinein, in die leicht chaotische Welt der Satomi Shirai in New York.

breakfast

cleaning

Nähere Informationen hier, falls Sie in dieser Zeit in Tokyo sein sollten und die Ausstellung besuchen möchten.

© Muga Miyahara/courtesy Micheko Gallery

Ihre aktuelle Serie „HOME FROM HOME” behandelt die beengten Lebensräume junger Ausländer in ihnen fremden Umgebungen, in denen sie nie ganz heimisch werden und wo sie meistens auf wenigen Quadratmetern leben. Dort gehen sie in ihren Habseligkeiten oft unter, verschwinden und verlieren dabei oft auch ihre eigene Identität. Oft kann man die Akteure in den Fotografien von Satomi Shirai nicht erkennen. Es handelt sich um anonyme Bewohner gesichtsloser Wohnräume. Trotzdem kann der Betrachter dieser Bilder Reminiszenzen der jeweiligen nationalen Abstammung, derer kultureller Identität und individueller Lebensgeschichte erkennen. Es sind Zeichen, die vom Willen derer zeugen, die sich nicht unterkriegen lassen wollen und ihren Weg zur eigenständigen Identität finden werden.

Itch

Japan mag ein reiches Land sein, aber die Opfer des Erdbebens und Tsunamis sind es nicht.

Bitte unterstützen Sie uns bei unserem Vorhaben und besuchen Sie uns in der Galerie: Theresienstraße 18, 80333 München

Hier einige Motive, die für die Benefiz-Aktion zur Verfügung stehen:

© Mami Kiyoshi

© Mami Kiyoshi

© Muga Miyahara

© Muga Miyahara

© Yumiko Kinoshita

Wussten Sie, dass der Brauch des Hanami, des Kirschblüten betrachtens, in Japan sehr wahrscheinlich schon auf die Nara-Periode (710-794) zurückgeht und von der chinesischen Tang-Dynastie übernommen wurde, in der die Blüte der Pflaumenbäume zelebriert wurde.

Natürlich wurde das Kirschblüten-Fest anfangs nur am kaiserlichen Hof gefeiert. Erst als die Samurai unter den Shogunaten (1192-1867) die Tradition übernahmen, wurde Hanami auch in der normalen Bevölkerung populär.

Die Zeit der Sakura-Blüte wandert von Januar bis Mai/Juni von Okinawa bis hoch in den Norden nach Hokkaido. In der Gegend von Tokio, Kioto und Osaka beginnt die Kirschblüte zwischen Ende März und Anfang April.

Wir haben eine kleine aber feine Auswahl von Sakura-Fotografien ausgewählt von Fotografen wie Muga Miyahara, Satomi Shirai, Ryo Ohwada, Toshio Enomoto, Yumiko Kinoshita.

Besonders freuen wir uns, auch einen von uns sehr verehrten deutschen Fotokünstler mit einem Motiv dabei zu haben: Robert Voit. Micheko beginnt damit, auch westliche Künstler zu zeigen, die sich intensiv mit Japan oder Asien generell künstlerisch auseinandergesetzt haben.

Kommen Sie zur Ausstellungseröffnung am Donnerstag, den 03. März 2011 von 19 bis 21 Uhr. Die Ausstellung dauert vom 04. März bis zum 10. April 2011.

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<!–:–><!–:en–>Mami Kiyoshi, “van Eyck meets Japan”, Impressions from the opening<!–:–>

Dem Betrachter erschließt sich zuerst nur das Japanische an ihren Bildern. Die Sujets ihrer Portraits sind Japaner in ihrem japanischen Umfeld mit oft typisch japanischen Gegenständen umgeben. Erst dem kunstgeschichtlich vorgebildeten Betrachter könnte sich die Frage nach den europäischen Vorbildern der Künstlerin aufdrängen.

Zur Zeit verbringt Kiyoshi Mami ein Jahr als Stipendiat der japanischen Regierung in der Cité internationale des Arts in Paris.

Die Ausstellungseröffnung ist am 20. Januar 2011 von 19 bis 21 Uhr.

Wir stellen hier ein “making-of”-Video unserer eigenen Portrait-Session bereit. Wer an einem eigenen Portrait interessiert ist, bitte melden.

New Reading Portraits by Kiyoshi Mami from Michele Vitucci on Vimeo.

Wir stellen Ihnen Schmuck-Arbeiten von Akiko Kurihara vor. Selten sah man Schmuck, der mit einem derartigen Understatement und Augenzwinkern auf gängige Stilrichtungen in der Schmuck-Kunst entworfen wurde.
Frau Kurihara gehört zu den Namen, die Sie sich merken sollten. Jetzt sind ihre Arbeiten noch erschwinglich

Außerdem gibt es spezielle Editionen unserer Fotokünstler Tomohide Ikeya und Yumiko Kinoshita. Fotografien in limitierter Auflage in einem Format, das auch in kleinen Wohnungen Platz hat. Viele von Ihnen hatten nach kleineren Formaten von Tomohide Ikeyas “Breath”- Serie gefragt. Hiermit kommen wir Ihren Wünschen mit zwei Motiven aus “Breath” und einem Motiv aus “Dark Waters” nach. Diese Arbeiten wurden jeweils auf Blättern im Format A3 plus (48,3 x 32,9 cm) gedruckt.

Frau Kinoshita weckt schon jetzt Frühlingsgefühle mit jeweils einem Diptychon (ca. 20 x 40 cm) und einem Triptychon  (ca. 20 x 60 cm) aus ihrer Sakura-Serie “Transient”.

Die Preise für unsere Weihnachts-Editionen schreien gerade danach, mit ihnen in das Sammeln zeitgenössischer Fotografie einzusteigen.

Natürlich bewirten wir Sie mit japanischem Tee und Gebäck. Wir erwarten Sie am Samstag, den 27. November 2010 zwischen 11 und 19 Uhr.

Artikel in der SZ vom 12.11.2010 über Muga Miyahara von Jürgen Moises

Eine Frau. Schlafend. Träumend?

Fische. Viele Fische. Immer mehr Fische. Nass, kalt, glatt.

Gefühle des  Ekels und Schauderns?

Eine Frau. Schlafend. Alpträumend?

„Als Kind“, schreibt Muga Miyahara, „hasste ich es Fisch zu essen. Aber mein Vater bestand darauf und sagte immer wieder: ‚Iss Fisch! Iss Fisch!’ Das bereitete mir große seelische Qualen…“

Diese Kindheitserinnerung war die Inspiration für „A Memory of a Fish is there…“ einen der bekanntesten Bildzyklen des Künstlers. In immer neuen Variationen zeigt er eine junge nackte Frau und Fische und setzt sich auf diese Weise mit dem Trauma seiner Jugend auseinander. Der Betrachter mag die Gefühle des Ekels teilen, die Miyahara mit Fischen verbindet oder er mag die Fotografien auf seine Weise deuten. Surreal und verstörend wirken die Szenen auf jeden Fall.

Im Gegensatz zur traditionellen japanischen Fotografie, bei der die Abbildung individueller Erfahrungen kaum eine Rolle spielte, speisen sich die Werke Miyaharas überwiegend aus seinen ganz persönlichen Empfindungen. Der Künstler möchte das, was für das menschliche Auge unsichtbar ist, sichtbar werden lassen. Seine Fotografien wollen die Dinge hinter den Dingen zeigen und dem Betrachter unsichtbare Welten öffnen. Dabei inspirieren ihn, neben den persönlichen Erfahrungen, die japanische Mythologie oder markante Erscheinungen seiner heimischen Kultur.

Beispielhaft hierfür ist der Bildzyklus „Shinatsuhiko“. Benannt nach dem Namen der alten japanischen Gottheit des Windes. Miyahara zeigt eine junge Frau, die Blätter in die Luft wirft und wegbläst. Der Künstler deutet die Kräfte der Natur ganz althergebracht als Person, wie es die Vorfahren taten und wie es auch der Europäer von der Gestalt des griechischen Gottes Zephyr kennt. Eine Sichtweise wie sie, nicht nur der heutigen japanischen Gesellschaft, aber abhanden gekommen ist. Eine Welt dahinter, unsichtbar für unsere übersättigten Sinne und doch präsent.

Besonders eindrucksvoll ist Miyaharas Umgang mit der Tradition in seinen Arbeiten unter dem Titel „Tokonoma“.  Der Begriff bezeichnet eine Nische in einem typischen japanischen Haus, die üblicherweise mit einem Rollbild oder einem Ikebana-Arrangement geschmückt ist. Bei Miyahara wird das Tokonoma zu einem regelrechten Bühnenkasten in dem ein Panoptikum verschiedenartiger Objekte präsentiert wird, die den Betrachter zu vielfältigen eigenen Interpretationen einladen. Meistens äußerst einfache Arrangements im Geiste des Zen verstören sie wiederum den Betrachter eher, als dass sie Ruhe und Beschaulichkeit vermitteln. Eine einsame Beinskulptur, die an eine Prothese erinnern soll, ein an Fäden hängendes leeres Hemd oder von der Decke herabhängende Sägen. Die unsichtbaren Welten hinter diesen Gegenständen kann jeder leicht für sich selbst entdecken. Jenes Motiv dreier Bomber und eines aufsteigenden Explosionspilzes kann neben den nahe liegenden Assoziationen von Krieg, Luftangriffen und Atombombenabwürfen Ausgangspunkt vielfältiger Reflexionen über das Thema Gewalt sein.

Eine unsichtbare Welt offenbart auch Miyaharas Bild-Zyklus „Sakura“ über die Kirschblüte, einem der wichtigsten Symbole der japanischen Kultur überhaupt. Das Ungewöhnliche und Geheimnisvolle entsteht hier durch die vom Künstler verwendete Kamera, einer „Hermagis“ aus dem späten 19. Jahrhundert. Sie verleiht den, ansonsten möglicherweise eher unspektakulären Motiven, eine – durch die Sepiatönung und das camera obscura Objektiv erzeugte – archaische Qualität. Die Kirschblüte scheint hier weniger als symbolhaft für Frühling und Schönheit als vielmehr für die Vergänglichkeit aller Dinge zu stehen.

Zuletzt nochmals zur Auseinandersetzung Muga Miyaharas mit dem Menschen und seinem Körper.  In der Bilderserie „MIMI“ illustriert er seine Ansicht, dass der menschliche Leib auch den Charakter widerspiegeln kann. Dies fasst er in hoch ästhetische Kompositionen nackter Körper, die mit frischen Nahrungsmitteln bedeckt sind. Wiederum eröffnet sich dem Betrachter eine surreale, gelegentlich verstörende unsichtbare Welt. Als ein besonders schönes Beispiel sei das Bild einer nackten Frau auf deren Oberkörper der Tentakel eines Oktopusses liegt genannt. Schönheit und Schaudern sind hier miteinander verbunden. Aber wer vermag zu sagen, worin die Schönheit und worin das Schaudern liegt?

Wir zeigen knapp 40 Arbeiten aus seinen Serien Tokonoma, A memory of a fish is there, Mimi, Shinatsuhiko, Garden, Sakura und Studio. Muga Miyahara fotografiert leidenschaftlich mit alten Großformat-Kameras und entwickelt seine Fotografien noch im Labor. Seine “Studio”-Fotografien wurden danach handcoloriert. Es wird also zusätzlich zur “Parallelwelt”-Erfahrung beim Betrachten seiner Werke, auch eine Freude für alle Freunde und Sammler der Analogfotografie.

Wir eröffnen die Ausstellung am 28. Oktober zwischen 19 und 21 Uhr. Muga Miyahara kommt für den Abend extra aus Tokyo und freut sich auf eine rege Auseinandersetzung mit seinen Bildern.

Eine von Tomohide Ikeyas Arbeiten aus seiner Serie “Breath”, welches wir auch in unserer derzeitigen Ausstellung zeigen, wurde als Titelmotiv für die deutsche Übersetzung eines japanischen Thrillers gewählt.

Die in Japan sehr bekannte und populäre Autorin koreanischen Ursprungs heißt  Yu Miri und der deutsche Titel lautet “Gold Rush”.
Das Buch ist im be.bra-Verlag erschienen.

Nachdem unsere Ausstellung “Breath” von Tomohide Ikeya bisher so erfolgreich verlaufen ist, haben wir uns entschlossen, sie bis zum 23.Oktober 2010 zu verlängern.

Wir freuen uns jetzt auf noch mehr Besucher!

Am Mittwoch, den 22. September sind wir ab 14 Uhr wieder ganz normal für Sie da!

Dort berichten sie auch über unsere Ausstellung “Breath” des Fotografen Tomohide Ikeya. Trotz Sommerflaute, in der Blogosphäre bewegt sich was

Der Abend des Eröffnungs-Events am 29.07. war wunderbar. Ikeyas Frau Mayuko kam in einem wunderschönen Sommer-Yukata und verlieh somit dem Abend einen zusätzlichen Flair von japanischer Schönheit und Eleganz.

Mehr zu Ikeyas Arbeiten finden Sie hier.

Kommen Sie vorbei. Es geht um 19 Uhr los und wir werden bis ca. 21 Uhr da sein. Hier unsere Adresse: Micheko Galerie, Theresienstraße 18, 80333 München. Hier finden Sie uns auf Google Maps. Sie brauchen dort nur noch Micheko Galerie eintippen.

Außerdem gibt es dort auch einen Beitrag über Yoichi Nagatas Bildserie “Star of the Stars”:
http://www.fotomagazin.de/index_dyn.php?we_objectID=3729

Hier ein paar Impressionen…

Opening Video

Wir werden uns Mühe geben, die Arbeiten unserer Künstler verständlich zu beschreiben. Falls das nicht möglich sein sollte, dann hat die vorgestellte Kunst wahrscheinlich ein Problem.

Eure Meinung hierzu interessiert uns sehr.

PS: Nachdem Englisch als “lingua franca” doch nicht so ankommt, schreibe ich ab jetzt auch auf Deutsch.

Today we posted “coming soon”-signs on the shop windows of our new gallery space.

We wish Satomi and her gallery lots of visitors and attention, which her work definitely deserves. We can’t wait to have Satomi and her work here in Munich soon.

Let us celebrate together the opening of the gallery on June 10th, 2010 at 19.00h! We will write about the opening exhibition very soon.

Today I came across this article about the German photographer Michael Wesely, who photographed the renovation and expansion of the Museum of Modern Art in New York over a period of three years with one exposure. That really just blew me away. The article also mentions that Wesely plans long time exposures over periods of up to forty years!! Now that’s long time exposure to me.

Here is the link to the article about Wesely: http://photoslaves.com/open-shutter-by-michael-wesely/We have been in contact with some Japanese photographers in the past months who are using long exposures as a creative element of their art. For instance Ken Kitano and Tokoro Yukunori, who do exposure times of one second and more. Exposure times of such length are not usual in normal photography and create very interesting effects of “time” and movement.

Today I came across this article about the German photographer Michael Wesely, who photographed the renovation and expansion of the Museum of Modern Art in New York over a period of three years with one exposure. That really just blew me away. The article also mentions that Wesely plans long time exposures over periods of up to forty years!! Now that’s long time exposure to me.

Here is the link to the article about Wesely: http://photoslaves.com/open-shutter-by-michael-wesely/

Ikeyas Konzept hinter seinem Arbeitszyklus „Breath“ beruht auf dem Wasser als das Element, das uns Leben und Kraft spendet. Aber erst wenn wir nicht mehr atmen können, merken wir Menschen, wie wenig Kontrolle wir tatsächlich über die essentiellen Dinge im Leben haben. Tomohide Ikeya visualisiert diese essenzielle Kraft des Wassers in „Breath“ auf seine ganz eigene, herausfordernde Art und Weise.

Seine Fotografien strahlen eine besondere Intensität aus. Sie haben aber auch etwas Morbides, Beängstigendes. Unsere ganz persönliche Analogie, als wir Ikeyas Arbeiten zum ersten Mal sahen,  ist die enorme Kraft und Würde, welche Menschen in lebensbedrohenden Umständen entwickeln können. Wir mögen bald alle wegen globalen Erdwärmung untergehen, aber wir werden es in Schönheit und Eleganz tun.

All images copyright Tomohide Ikeya, no reproduction permitted without the written consent of Micheko Gallery.